Revista electrónica del Grupo de Arte de la Asociación del Personal de la OEA - Mayo 2003

LA COMPOSICION COMO EXPRESION:

Cuando por primera vez ví esta imagen de la Virgen del Cerro me llamó mucho la atención, primero por tratarse de una imagen que no conocía y luego, porque estaba plasmada dentro de una montaña o cerro.  ¿Cuál sería el concepto que impulsó al artista a ejecutar esta pintura?  Aparentemente es un tema que trata de simbolizar a la Virgen como un cerro dador de frutos (en este caso metales preciosos) como la madre tierra y simboliza también la cúspide de una religión rica en tradiciones marianas con todos sus atributos dentro de la iconografía católico cristiana.

 Coincidentemente encontré otra imagen muy parecida revisando unos escritos de Athanasius Kircher (filósofo jesuita alemán del siglo XVII), quien estudiaba las religiones de oriente y la cual aparece al lado aparece al lado de estas líneas.  Me sorprendió al encontrar cierta similitud con la Virgen Potosina que también aparece como un concepto  de la madre tierra con más atributos matriarcales y que tiene mucha resemblanza con la Pacha Mama muy conocida en el área andina.

La composición como expresión no es nada nuevo, es un tema que ha sido estudiado por expertos en la materia quienes han analizado y comparado infinidad de obras de arte de variados artistas, en muchos casos sin que estos lo planearan conscientemente.  De acuerdo a John Canaday la composición puede ser un patrón, modelo o estructura, pero en todos los casos sigue siendo una expresión.

Haremos un breve análisis de dos obras que representan retratos de grupos familiares:

La primera es una pintura de Charles Wilson Peale, la comenzó a pintar en 1773 finalizándola en 1809.  En esta obra nueve de los personajes tienen lazos familiares, ya sea por nacimiento o por matrimonio.  El décimo personaje es una ama de llaves o enfermera matriarcal como solían llamarles en esa época.  Más abajo aparece Argus, un perro que fue dejado bajo la custodia   de los Peale por un viejo  soldado revolucionario en agradecimiento por un plato de comida.

Ahora bien, como se lee más arriba Peale comenzó esta pintura en 1773, o sea que se tardo treinta y seis años en su ejecución.  ¿Porqué?  No existe una respuesta concreta.  Lo cierto es que hay que notar que el mismo se retrata como un hombre mucho mas joven de lo que era, pues al momento de terminar dicha obra contaba con sesenta y ocho años y aquí representa como treinta y dos, se identifica como el que está dibujando a una de las niñas.

La escena está dividida en dos grupos familiares.  A la izquierda hay seis personas, mientras que a la derecha se encuentran otras cuatro, si contamos a la enfermera que se encuentra un poco atrás. Nótese el contraste con la seriedad de los tres personajes de la derecha con la sonrisa de los seis de la izquierda.

Parece que a Peale le gustaba caracterizar a sus personajes ya fuera agravándoles o dándoles rasgos distintos entre unos y otros.

Si Peale hubiese aglomerado a sus personajes al centro,  la pintura seria monótona y con muy poco sentido del aprovechamiento del espacio.  Por el contrario, la composición esta muy bien distribuida y tiene candor y armonía.

LA FAMILIA BELLELI DE EDGAR DEGAS.

En esta otra composición familiar intervienen cuatro personajes y según los especialistas fue ejecutada cuando Degas contaba con apenas treinta años.  Se trata en realidad de la familia de su tía, la Baronesa de Belleli quienes estaban en Italia por esa época.  Degas pasó parte de su vida en Italia a pesar de la insistencia de su padre para que volviera a Francia.

De Degas se dice entre otras cosas que era un cosmopolita urbano y que dudaba   y especulaba de la naturaleza humana y quizás esto se refleje un tanto en la obra que estamos analizando.

Como notaran la seriedad de los personajes de esta obra contrasta con la de los personajes de la familia Peale, debido quizás a la cuasi tragedia de esta familia.  El padre al perder a su primer hijo se volvió una persona taciturna y temperamental con arranques de cólera y tristeza, lo cual queda reflejado en la pintura.  Sus dos hijas Giovana y Giuliana y así como la madre sufrían de alguna manera por esta situación.  Por cierto se sabe que cuando Degas ejecutó este retrato la familia aún vestía de luto como se puede apreciar por las vestimentas.

La composición que es lo que nos importa, es interesante.  El artista desune a la familia al separar al padre de los otros personajes, pues aparece aislado casi como ausente y se resalta aún más por el uso de las líneas del mobiliario al centro de la composición de una manera muy sutil.

Obsérvese también que Degas nos permite analizar a sus personajes tomando en cuenta los antecedentes de la familia.  Giuliana quien aparece al centro, se encuentra distraída aunque muy segura de si (congeniaba más con el padre) y con cierto aire  irrespetuoso.  Mientras que Giovana de quien se dice era más cercana a la madre esta junto a ella y ambas tienen una postura distante y con desdén.  Por último, el padre está pintado con trazos ligeros y vagos como para denotar ausencia como un desconocido de quien no se muestra sino un leve perfil.

LA COMPOSICION COMO ESTRUCTURA

¿De cómo los artistas componen o arreglan los elementos en una pintura?  Quizás algunos no podrían contestar a esta pregunta ya que a veces se trabaja  intuitivamente y en otras se planifica detalladamente por adelantado, sea consciente o inconscientemente,   en todo caso nunca de forma arbitraria, cada ingrediente tamaño, lugar, posición de los elementos, figuras, tonos, color, y brochazo o pincelada, afectan a nuestra concepción de tal o cual obra de arte.

Por ejemplo una figura centrada tendrá más impacto que una que se encuentre arrinconada en una esquina. Una composición balanceada nos dará una lectura comprensible, lo contrario a una caótica y enredada. 

Existen composiciones que nos dan la sensación de intimidad y cercanía, mientras que otras nos provocan efectos de soledad, lejanía, etc.

Estamos acostumbrados a percibir formas y colores comunes a nuestros sentidos pero cuando nos enfrentamos a formas y elementos diferentes inmediatamente les prestamos mayor atención.

Se dice que las pinturas son como ventanas a mundos imaginarios y a menudo prestamos poca o ninguna atención a formas ya conocidas ya que generalmente se trata de recuadros o rectángulos u otras formas reconocibles por más que se alarguen o se acorten.  Como regla general reconocemos que estos rectángulos son paisajes si son horizontales y retratos si son verticales.

Algunos recuadros o rectángulos son más placenteros a la vista que otros.  Los antiguos griegos basaron la mayoría de sus construcciones en la regla o radio dorada que de acuerdo a ellos representaba lo divino y la armonía del universo, posteriormente se aplicó también a las artes.

No quiero entrar en tecnicismos con las fórmulas de esta regla, en cambio vamos a ver brevemente como desde el renacimiento hasta nuestros días,  ha sido aplicado este conocimiento.

Pieter de Hooch (pintor alemán 1629-1684) en su obra “Boy Bringing Bread”, nos deleita con una composición muy simétrica basada en líneas y rectángulos, conduciendo nuestra mirada por pasillos, corredores y patios hasta un fondo donde se encuentra un personaje, que parece ser la madre del niño que lleva el pan.

Nuevamente la composición es muy rica en líneas y nótese como las horizontales y verticales contrastan con la curvatura de la mujer al reclinarse logrando un arreglo con armonía.

Hay que aclarar que en composición  como estructura, la geometría y la simetría, juegan un papel importante al definir el balance y peso dentro de las composiciones. Tal es el caso de la Virgen con San Antonio Abad cuyo balance está acentuado por el arreglo en cruz.

El término composición fue inventado por el teórico y arquitecto Leon Battista Alberti que sentó las bases para describir las matemáticas y geometría aplicadas en las obras de arte.  Por ejemplo, en la religión cristiana el tres simboliza a las tres divinas personas o a la Trinidad mientras que el siete simboliza las siete heridas infligidas a Jesús en su tormento, etc.  Por tanto en el arte cristiano existe lo que se denomina como simetría divina y geometría sagrada.

Mostramos un ejemplo de geometría sagrada  en el Bautizo de Jesús (nótese que el Espíritu Santo aparece al centro del círculo como el hacedor del todo).

También mostramos un ejemplo de simetría divina en esta Crucifixión (observe el número de personajes).

Existe una gran variedad de composiciones que sería largo enumerar en este espacio sin embargo hay una que es muy común y es la forma piramidal o triangular, tal es el caso de muchas representaciones marianas y madonas como esta de Rafael que mostramos aquí y que nos vuelve a la descripción inicial de la Virgen del Cerro en Potosí, Bolivia.

Recopilado por Lionel Najera