Revista electrónica del Grupo de Arte de la Asociación del Personal de la OEA - Octubre 2003

 LIBROS DE ARTE DE LA BIBLIOTECA COLON DE LA OEA
 

Remedios Varo
by Octavio Paz and Roger Caillois
(Spain 1908-1963)

Remedios Varo was born in Spain in 1908, as a small child she began to express herself by painting. In her eagerness to show the world, she was able to create a cosmos of poetry and imagination. Varo's father was a Hydraulic Engineer, and to a large extent the person who most influenced her artwork. At a young age, Varo learned to use the engineering instruments from her father. The instruments transmitted fantasies. Many of her paintings are the reflection of those years, the symbolic figures represent solitude and a rebellious character, she was not allowed to express herself freely. 

 At the age of 15, Varo was admitted in the Academy of San Fernando. The artistic atmosphere of the academy allowed her to learn about the surrealist movement. Surrealism was very fashionable at the time, she was attracted to the idea of expressing her emotions using figures and symbols. In Paris, Varo combined her learned technique from years before with her extraordinary talent. It was a perfect formula. 

Throughout her adult life she would live in several countries by reasons out of her control, like World War II and the Spanish Civil War. Varo teaches us a combined purity and authenticity with the mystery of a universe that seems to be in contradiction with the laws of the nature, a space where harmony is submerged in the fantasy and our childhood dreams.

Vida y Obra de Carlos Correa
  por Libe de Zulategui
Ediciones Museo de Antioquia, Medellín,1988

“Dos libros se han editado sobre Carlos Correa, pintor, acuarelista, grabador y caricaturista antioqueño. El primero en 1945, con texto del notable investigador Juan Friede, y el segundo, motivo de esta reseña, 43 años después. La distancia entre las dos publicaciones habla claramente del tratamiento desigual que se les ha dado a las artes plásticas en el país. Al contrario de lo que sucede con este género de libros, ninguno de los dos ha sido dedicado al ego del artista. Los libros sobre Carlos Correa han sido modestos, y recogen parcialmente la obra de un artista original, que tuvo el valor, como ninguno en Colombia, de destruir su obra, de jugar al anarquista como señal de protesta contra el establecimiento. Sin embargo, las dos publicaciones son abismalmente diferentes: mientras la de 1945 es un estudio profundo y extenso, con diagramación cuidadosa, la del Museo de Antioquia consta de una serie de artículos cortos sin análisis  que anteceden la "Viacrucis de una anunciación" y las notas de prensa, amarrados descuidadamente con unas fotografías de su obra.”  Beatriz González.
 Recopilado por José Bustillos

 
 APUNTES DE ARTE

MODERNISMO

             El modernismo (Art Noveau) fue  un fenómeno  europeo.  Comenzó aproximadamente en 1890,  alcanzó su apogeo hacia el final del siglo y concluyó más o menos media década mas tarde. Cuando comenzó a extenderse desde Inglaterra a Bélgica, Alemania, Francia  y Austria, había sonado también, la hora del eclecticismo en Europa. El arma con que se enfrentó a la arquitectura de estilos fue el ornamento no histórico, sino dinámico y orgánico, que expresase una nueva y original intencionalidad formal. Para el “Jugendstil” (llamado así en Alemania por la revista jugend = juventud) que apareció en 1896 por primera vez  en Munich, “orgánico” significa por tanto, algo diferente de lo que significaba para Luis Henry Sullivan (1855-1924 USA)  o para Frank Lloyd Wright (1869-1959 USA), arquitectos y pioneros del Funcionalismo.

            Ciertamente en Sullivan existen abundantes ideas ornamentales que se acercan al trazado de la fluyente línea modernista, pero el ornamento no penetra en la armazón arquitectónica del cuerpo del edificio, sino que se limita a zonas determinadas y se considera superfluo.  Para el modernismo en cambio, resulta imprescindible.  Se le considera  el origen vital de las formas, no un invento ulterior,  sino un impulso elemental.

            Las grandes obras artísticas del Siglo XIX habían tenido hasta entonces el carácter de avances aislados, la unidad de las artes se había perdido o estancado. Los grandes pintores no se interesaban por el desarrollo de la arquitectura  y ésta a su vez había excluido las artes menores: como la pintura  y la escultura de su contexto general.

            Los aspectos negativos de este desarrollo se hicieron sentir,  primero en Inglaterra, pues era allí donde había progresado más la industrialización y en consecuencia había actuado con más fuerza el  empobrecimiento de la cultura del gusto. Se había impuesto el vacío patetismo de formas sobrecargadas  y la copia de los estilos históricos.

            Al principio de los noventa penetraron en la arquitectura las formas menores ensayadas en la industria artística. De manera característica se apoderan primero de los lugares que se prestaban a su dinámica lineal. Como por ejemplo en el palacio Güell en Barcelona  construido entre los años 1885 y 1889 por Antoni Gaudi  (1852-1926), arquitecto español, y Cornet (1852-1926), arquitecto español quien combinó el Neogoticismo con el Modernismo,  a pedido del mecenas de las artes e industrial español Eusebio Güell y Basigalupi.  Dicho palacio posee una reja curvilínea en el portal, análogamente pero de forma más disuelta y asimétrica, configuró Guimard la entrada del Castel Beranger. El edificio más importante de esta fase estilística es la Casa Tassel que construyó Víctor Horta en Bruselas.

            En cuanto a la pintura y escultura, aunque se encuentran más al margen  de la tendencia estilística, son alcanzadas por el lenguaje formal del Modernismo.  La vuelta hacia la linealidad curva se puede comprobar en  Paul Gauguin (1848-1903), pintor francés cofundador del movimiento Simbolista  y también en  Edvard Munich (1863-1944), pintor noruego precursor del Expresionismo.

            El tipo humano cultivado por el Modernismo es delgado y  de largos miembros. Su origen se encuentra en la obra de William Blake (1757-1827), poeta grabador y pintor ingles, máximo exponente del Prerromanticismo.  Ademanes preciosistas subrayan la delicada fragilidad del cuerpo y  las siluetas son de valiosa linealidad, a veces quebradizas a la manera del Gótico  y luego ondulantes de nuevo en ricas curvas.  La transformación  ornamental emplea reducciones y entretejimientos sorprendentes.

            La composición transforma el espacio en energías lineales, que van desde el centro del cuadro a los bordes para oponer el vacío a la  plenitud. El cuerpo humano se convierte en una planta artificial. De esta excentricidad proceden las figuras con las que Gustav Klimt construye unos años mas tarde sus cuadros ( mosaicos menudos multicolores con motivos ornamentales).

            En síntesis diremos que la pintura del Modernismo no dio ningún impulso con proyección de futuro, al desarrollo de la pintura de tabla. La voluntad artística de estos movimientos no se encarna en la formación estética aislada,  sino en la obra de arte total.

            Con su extinción hacia mediados de la primera década del siglo anterior, finaliza un periodo de transición y la renovación pictórica recurre de nuevo a las personalidades mas destacadas entre los “superadores” del impresionismo, primero a Van Gogh y Gauguin y luego a Cezanne.

 

Recopilado por Lionel Najera

 

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